Origami

A palavra Origami quer dizer arte de dobrar papel. É uma técnica muito antiga que foi criada pelos membros da Corte Imperial do Japão. Era considerada entretenimento, mas após se popularizar, passou a ser arte. Historicamente, o Origami se popularizou à medida em que o papel ficou mais barato. Mesmo assim, os mais pobres economizavam utilizando pequenos pedaços.

Esta arte contribui amplamente na educação, atuando no aprimoramento intelectual. Isto porque demanda alta concentração, incentiva a capacidade de criar e aperfeiçoa as habilidades manuais.

Para fazer um Origami, são utilizados papéis quadrados e, tradicionalmente, não são feitos cortes ou colagens (apesar de não serem proibidos). As dobraduras seguem estilo geométrico.

Gravura

Gravura não é:
-Imagens impressas (em impressora)

Gravura é:
-Técnica específica de impressão e reprodução de imagens através de uma matriz.

• Litogravura - Gravura na qual a matriz é feita em pedra.
• Xilogravura - Gravura na qual a matriz é feita em madeira.
• Gravura em metal - Para essa técnica, normalmente é utilizado o cobre na matriz. Existem diversas técnicas de gravura em metal. Entre elas, podemos destacar: água-forte e água-tinta.

Animação

A história da animação começa com a criação de brinquedos ópticos. Alguns deles são:

• Fenaquistoscópio

Simultâneamente criado pro Joseph Plateau (belga) e Sinon von Stampter (austríaco) - 1832

• Taumatoscópio

Criado por John Ayrton (Paris) - 1824

Animação e cinema

• Steamboat Willie

Foi o primeiro filme de animação com som produzido. Seu personagem principal é o Mickey Mouse.

• Folias Felinas - O Gato Félix

Primeiro desenho transmitido pela tv. Foi feito em 1919 e transmitido em 1930.

• Flowers and Trees

Primeira animação colorida.

Técnicas de animação

• Animação Tradicional - Desenhado quadro a quadro. Cada pequena modificação é registrada no papel. O movimento é só uma sensação causada pela troca rápida de imagens. Para essa troca rápida, as imagens são escaneadas e animadas através do computador.
• Animação Digital - Processo igual ao tradicional, mas é feito na mesa digitalizadora em vez do papel.
• Animação de recortes - Personagens e cenários feitos com recortes de papel. São feitas fotografias de cada quadro para compôr a animação.
• Animação em Stop Motion - A animação com massinha é feita utilizando essa técnica. São feitas fotografias de cada quadro.
• Captura de movimento - A única técnica que não é feita quadro a quadro. Depende totalmente de tecnologia. Os atores são filmados com sensores de movimento que captam cada deslocamento, essas capturas dão vida aos personagens. Depois é finalizado pelo computador. Cenário, personagens, figurino, etc. são acrescentados de maneira digital.

Grafite

O grafite teve origem nos E.U.A. e era usado por gangues para demarcação de território. Apesar de ser feito em muros, a pintura dos trens foi o que tornou a técnica popular, pois ao pintar um trem, o nome da gangue circulava pela cidade, espalhando sua fama.

Basicamente, a técnica do grafite consiste em fazer inscrições com tinta sobre uma superfície (os materiais variam de acordo com as categorias). Uma das maiores marcas dessa técnica é o uso de tinta spray.

Apesar de hoje ser uma arte aceita por muitos críticos e poder ser encontrada em galerias de arte por todo o mundo, o grafite leva consigo a característica de ser feito em locais proibidos.

Sim, a arte também pode ser ilegal. Cabe ao artista julgar se vale a pena correr o risco.

O grafite pode ser separado em categorias. São elas:

• Tag – É uma assinatura. É mais desenhada e feita para ser lida.
• Bomb – Sua produção exige poucas cores (máximo 4). É feito em locais proibidos e tem a finalidade de marcar território.
• Blackbook – É um tipo de caderno de rascunho, onde o writer expõe suas ideias para posteriormente, fazer o grafite.
• Sticks – São confeccionados adesivos e colados em locais públicos. O objetivo é ser executado com rapidez.
• Lamb – Parecido com os sticks, mas produzidos de forma caseira, pode se assemelhar a um cartaz de rua.
• Piece – É o grafite feito sem a produção do fundo, ele utiliza o próprio ambiente onde está e interage com ele.
• Produção – Caracteriza-se pela organização de um projeto para a pintura.
• Mutirão – Assemelha-se ao grafite produção, mas envolve mais artistas e são decididos no projeto: cores e temas comuns.
• Stencil – O writer confecciona uma espécie de máscara que é usada para transferir a imagem para o muro de forma rápida e precisa. Com essa técnica, ele pode pintar diversas imagens iguais em alguns minutos.
• Graffiti Art – São obras produzidas com a técnica do grafite. Podem ser encontradas em galerias de arte ou em acervos pessoais.

Wassily Kandinsky

Kandinsky foi o primeiro pintor do ocidente a produzir obras abstratas. Era russo e formado em Direito, mas se apaixonou pela pintura ao assistir a uma exposição de quadros impressionistas. Kandinsky, no começo da carreira, deu preferência à pintura de paisagens ao ar livre em detrimento da pintura realista de modelos vivos, mostrando nítida influência do Impressionismo. No início do século XX, começou a produzir suas obras abstratas. Suas primeiras obras tiveram como inspiração a música. Junto com August Macke e Franz Mare, em 1911, formou o grupo “O Cavaleiro Azul”, que se manteve até 1914.
Com a chegada da Primeira Guerra Mundial, em 1914, Kandinsky deixou a Alemanha e seguiu para a Suíça. Tempos mais tarde, ainda sob as consequências da guerra, o artista voltou à Rússia, retornando à Alemanha somente em 1921.
Kandinsky foi professor da Bauhaus, escola alemã de design, arte e arquitetura até seu fechamento pelo governo nazista, em 1933. Após o fechamento da escola, Kandinsky seguiu para Paris, onde permaneceu até a sua morte, adotando nacionalidade francesa.
Mesmo doente, o artista produziu até o fim de sua vida. Kandinsky morreu no dia 13 de dezembro de 1944, na França, aos 78 anos de idade. Suas principais obras têm muitas figuras geométricas.

Teoria musical

A teoria musical é tida por muitos como uma coisa chata e difícil, mas quando compreendida torna-se fácil e muito interessante, pois nos faz entender, questionar, definir e descrever o que tocamos ou mesmo cantamos. A teoria musical pode ser lida e estudada em qualquer parte do mundo graças à sua padronização; quando a conhecemos e a dominamos, temos acesso a ilimitadas matérias para estudo.

Música é a arte de expressar nossos sentimentos através dos sons e a teoria é o conjunto de conhecimentos que propõe explicar, elucidar e interpretar o que ocorre nesta atividade prática, pois a teoria sem prática é como fé sem obras (morta).

Portanto, música, além da ciência dos sons, é arte e criatividade, e, apesar apesar de todo conhecimento teórico, o som, princípio básico da existência da música, é gerado pela prática. Enfim, a prática e a teoria devem caminhar juntas.

O som

Como já dissemos anteriormente, o princípio da música é o som, ele é produzido por movimentos de corpos vibratórios, os quais transmitem essa vibração para o ar em forma de ondas sonoras, que, chegando aos nossos ouvidos, são interpretadas de acordo com suas propriedades:

Intensidade: É a propriedade do som de ser fraco ou forte (dinâmica, volume).

Altura: É a propriedade do som de ser grave, médio ou agudo.

Timbre: É a característica que permite identificar o que deu a origem ao som; é através do timbre que distinguimos o som de um piano, da flauta, da voz humana ou de qualquer instrumento. Podemos identificar de quem é a voz pelas qualidades e características, isso é reconhecer o seu timbre.

A música

A música é constituída por três elementos:

Ritmo: Elemento primordial e mais primitivo, é a divisão ordenada do tempo, a pulsação, a batida da música. Exemplos de instrumentos de ritmo: instrumentos de percussão (bateria, pandeiro, tamborim, etc.).

Melodia: É a sucessão de sons (uníssonos) em sequência, repetindo ou variando tempo, altura e intensidade. Exemplos de instrumentos de melodia: aqueles que tocam apenas uma nota por vez, como os de sopro (saxofone, flauta, clarinete, oboé, etc.) e a própria voz humana.

Harmonia: É o conjunto de sons combinados simultaneamente, formando acordes. A harmonia é a ciência da combinação de sons. Exemplos de instrumentos de harmonia: todos aqueles que podem soar notas simultâneas (piano, violão, órgão, harpa, etc.).

Referência:

Disponível em: http://www.musicaeadoracao.com.br/tecnicos/teoria_musical/teoria_cintra/introd'vucao.html (Texto adaptado.)

Teoria da cor

• Cores primárias: Cores que não se formam a partir de misturas com outras cores. A partir da mistura de duas cores primárias, chegaremos às cores secundárias.
• Cores secundárias: Resultam da mistura de duas cores primárias.
• Cores terciárias: São cores formadas pela mistura de uma cor secundária com uma cor primária.
• Cores quentes e cores frias: São chamadas assim pela impressão que causam quando olhamos. Cores quentes lembram o sol e o fogo. Cores frias lembram a água e o gelo.
• Cores neutras: São usadas para criar forma, não interferem na harmonia.
• Cores pastel: São claras. Qualquer cor misturada com branco.
• Cores complementares: São aquelas que ocupam lugares opostos no círculo cromático. Há um contraste porque, entre elas, não existe nada em comum. Juntas, são usadas para dar destaque.
  
• Cores análogas: São cores que se encontram próximas no círculo cromático. Têm harmonia natural por serem parecidas.

Ponto, linhas, movimento e Grafismo

Ponto, linhas e movimento

O ponto é o menor elemento visual que podemos encontrar. A linha é formada pela sequência de pontos muito próximos. Ela constitui um dos elementos mais importantes da linguagem visual.

As linhas possuem várias características. Podem ser fracas, fortes, redondas, retas, curvas, coloridas, contínuas, etc.. Cada tipo de linha ou conjunto dela nos traz uma informação, delimita fronteiras, dá noção de profundidade e provoca diversas sensações.

A linha reta é firme, estável e nos passa a sensação de segurança e solidez. Quando é apresentada na forma horizontal, pode passar a a ideia de quietude, quando na vertical, pode sugerir elevação espiritual. A espiral é envolvente, sinuosa e suave. Pode transmitir a sensação de sonho e movimento ritmado. A curva dá a impressão de dinamismo e a poligonal tende a ser entendida como agressiva.

Com base nas informações acima, expresse em apenas uma linha os seus sentimentos no momento.

Grafismo

Podemos classificar como grafismo a arte que prioriza as formas, cores e detalhes. Nesse tipo de representação, a figura é deixada de lado. Isso significa que não veremos figuras representadas como o sol, uma casa, etc., mas veremos sequências de linhas retas ou curvas claramente definidas e muito bem executadas. O elemento principal dessa técnica é a linha em suas mais variadas formas, que se repete proporcionalmente para formar um padrão que confere ritmo e equilíbrio ao desenho. Podemos encontrar o grafismo na cultura indígena e africana, na moda, na fotografia, etc..

O grafismo na cultura indígena tem relação direta com a natureza na construção de seus desenhos. A técnica é usada na pintura corporal, na confecção de utensílios ou adornos. Cada tribo desenvolve seu padrão e, através dele, retrata sua cultura.

 Na fotografia, o grafismo é usado para compor imagens geométricas com fundo absolutamente estético. São as fotos que apresentam detalhes arquitetônicos de construções, objetos coloridos ou situações em que a forma é mais importante que o conteúdo.

Barroco

O estilo Barroco surgiu no fim do séc. XVII, na Itália e teve seu auge no séc. XVIII, depois se espalhou por países da Europa e América Latina. Se manifestou na pintura, escultura, arquitetura, literatura e teatro. A arte barroca é sucessora do estilo renascentista, mas seu nome significa absurdo ou grotesco (foi uma tentativa de ridicularizar o estilo, já que não se prendia às regras do estilo clássico).

Após a Reforma protestante e a Contrarreforma, a Igreja Católica perdeu força e apoio na difusão de ideias teocentristas. O Barroco surgiu no meio de uma crise política e religiosa. A intenção da Igreja era reforçar o poder e a soberania dos valores católicos. Vale lembrar que, na época, a Igreja controlava a religião e a política, assim, reafirmar seus ensinamentos era se reafirmar no poder político e controle financeiro.

As características da arte barroca são: muitos detalhes, valorização do contraste entre luz e sombra, alta carga dramática e emocional. Na escultura, evidencia principalmente a dramaticidade e a teatralidade das expressões, além do movimento e exuberância das formas. Na arquitetura, utilizou elementos para dar a impressão de dinamismo, esplendor e grandiosidade tanto nas fachadas quanto no interior. No Brasil, o Barroco se difundiu no período colonial e serviu para facilitar o doutrinamento católico além de decorar as igrejas.

Mosaico

Artista: Criar é a sua atividade principal. Se utiliza de técnicas variadas, mas suas criações acontecem, inicialmente no intelecto.

Artesão: Produzir é sua atividade principal. Ele também cria, aperfeiçoa técnicas e desenvolve produtos de qualidade. Todo o seu material é feito à mão.

Mosaico

Chamamos de mosaico a técnica de juntar pequenas peças coloridas e prendê-las numa superfície a fim de formar imagens. Essas peças podem ser pedaços de pedras, azulejos, vidros e outros materiais. Já as superfícies podem ser fixas ou móveis. Essa técnica já é conhecida há milênios, pois por volta de 7 mil anos atrás, os sumérios, no Oriente já revestiam pilastras com cones de argila colorida fixadas em massa. Gregos e romanos também usavam essa técnica para decorar pisos e paredes nas construções. Essa técnica pode ser usada como expressão artística, no artesanato e na decoração.

Escadaria Selarón

  Idealizada pelo artista chileno Jorge Selarón e assistentes que variam constantemente, a escadaria vai da Rua Joaquim Silva até o interior de Santa Teresa. Graças a 20 anos de dedicação do artista e admiradores, a escadaria recebe azulejos de todas as partes do mundo para a composição da obra. Os azulejos antigos são destruídos e substituídos por novos, o que faz com que a obra esteja em constante variação. Vários vídeo clips foram gravados lá, o que tornou a escadaria conhecida internacionalmente.   

Biografias: Picasso, Monet. Tarsila e Munch

Pablo Picasso

Biografia:

Pablo Picasso, grande ícone da pintura contemporânea, era filho de um professor de Desenho e Pintura. Nasceu na Espanha, em 1881, mudou-se jovem para Barcelona, onde estudou Belas Artes e pintou seus primeiros quadros. No início do séc. XX, foi para Paris e recebeu a influência de Gauguin e Toulouse-Lautec. Nesse período, produziu obras com tema popular (período azul) e centradas na temática do circo (período rosa). Em 1907, deu início ao período cubista (período pelo qual o artista é mais conhecido). Nesse momento, rompeu com a profundidade espacial representando vários planos simultaneamente.

Em 1912, interessou-se pela técnica de colagem. Após passar pela fase realista e sofrer influência surrealista, viu uma guerra civil que gerou grandes marcas na população. Sobre esse momento, Picasso pintou Guernica (seu quadro mais famoso).

Guernica:

Na segunda-feira, 26 de abril de 1937, Guernica começava a semana com a tradicional feira livre na praça principal. Às 16h30min, após o aviso dos sinos da igreja, a cidade foi bombardeada com uma técnica que seria amplamente explorada posteriormente durante a Segunda Guerra Mundial. Esse bombardeio aconteceu durante uma guerra civil deflagrada após uma tentativa de golpe militar.

Claude Oscar Monet

Biografia:

Em 1840, nasce Monet, na França. Quando criança, gostava muito de desenhar, fazia caricaturas de seus professores e era considerado por seus pais um menino indisciplinado. Durante a adolescência já ganhava dinheiro com seus desenhos, conheceu o pintor Boudin e se tornaram amigos. Boudin o incentivou a pintar e ensinou técnicas de pintura ao ar livre. Após fortalecer a ideia de ser pintor, mudou-se para Paris, matriculou-se na Académie Suisse, onde conheceu Picasso e Courbet (ambos em início de carreira).

Monet é considerado um impressionista puro. Em 1892, alugou uma casa na França e passou a cuidar de jardins, também. Voltou a retratar paisagens. Sua maior inspiração era seu próprio jardim. Em 1823, após a operação de catarata e quase cego, passa a usar óculos e suas obras passam a ser cada vez mais abstratas e solitárias. Monet morreu em 5 de dezembro de 1926.

Tarsila do Amaral

Biografia:

Tarsila do Amaral nasceu em 1º de setembro de 1886, no interior de São Paulo. Tarsila era filha de fazendeiro e passou a infância com os pais. Estudou em São Paulo e depois em Barcelona, na Espanha, onde fez seu primeiro quadro (Sagrado Coração de Jesus – 1904). De volta ao Brasil, casou-se com André Teixeira Pinto e teve sua única filha, Dulce. Separaram-se anos mais tarde e Tarsila começou a estudar arte. Estudou escultura com Zadig, desenho e pintura com Pedro Alexandrino, quando conheceu Anita Malfatti. Foi a Paris em 1920 estudar na Académie Julien, voltando em 1922 para a Semana de Arte Moderna a convite de Anita Malfatti. De volta ao Brasil, formou o grupo dos cinco com Anita, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Tarsila morreu em janeiro de 1973.

Edvard Munch

Biografia:

Edvard Munch nasceu em Löten (Noruega), em 12 de dezembro de 1863. Estudou arte em Oslo, começou a pintar em 1880, primeiro retratos, depois quadros naturalistas. Morou na Alemanha e na Itália, voltando à Noruega apenas após 18 anos. Em Paris conheceu Toulouse-Lautec e Gauguin, de quem recebeu influência.

  Em 1910, na Noruega, passou a pintar com estilo menos vigoroso e cores claras. A maior parte de suas obras, incluindo as litografias e xilogravuras, podem ser vistas no museu em Oslo, que recebeu seu nome. Munch morreu em 23 de janeiro de 1946, numa cidade próxima a Oslo.